Matière Créative est un mémoire de recherche qui interroge la place des contraintes, qu'elles soient liées au support, à la technique ou à la méthode, dans le processus créatif. Loin d'être un frein, la limite y est envisagée comme un levier : ce qui oblige à choisir, à hiérarchiser, à inventer.

Le projet croise deux disciplines qui me sont chères, le design graphique et la photographie. Toutes deux composent avec un cadre, un format, un capteur, une grille, une encre, et toutes deux trouvent dans ces limites une matière à explorer.

La réflexion s'articule autour de quatre axes : le rôle du support dans la création, l'impact des outils et des méthodes, la tension entre contrainte et liberté, et enfin les interactions entre photographie et graphisme. Des figures comme Paula Scher, Stefan Sagmeister, Fanette Mellier, Josef Müller-Brockmann, Henri Cartier-Bresson ou Ansel Adams viennent nourrir le propos.

La conception éditoriale du mémoire prolonge le sujet : mise en page rythmée par le dialogue texte/image, photographies personnelles intégrées comme matière première, choix typographiques et chromatiques pensés comme un système de contraintes assumées.

Creative Matter is a research thesis exploring the role of constraints, whether they come from the medium, the technique, or the method, in the creative process. Far from being a brake on creativity, limitation is approached as a driver : what forces us to choose, to prioritize, to invent.

The project bridges two disciplines I care deeply about : graphic design and photography. Both work within a frame, a format, a sensor, a grid, an ink, and both find in these limits a material to explore.

The reflection unfolds in four parts : the role of the medium in creation, the impact of tools and methods, the tension between constraint and freedom, and finally the interactions between photography and graphic design. Figures such as Paula Scher, Stefan Sagmeister, Fanette Mellier, Josef Müller-Brockmann, Henri Cartier-Bresson and Ansel Adams help frame the discussion.

The editorial design of the thesis extends the subject itself : a layout paced by the dialogue between text and image, personal photographs treated as raw material, and typographic and chromatic choices conceived as a system of deliberate constraints.

Ce projet matérialise ma façon d'aborder le design : comprendre les systèmes, travailler la structure et faire évoluer les formes avec intention. Plutôt que de partir d'une esthétique, je pars d'une logique, celle d'un objet qui se construit par étapes et qui donne à voir sa propre construction.

Cette carte de vœux suit un passage du S au XL, symbole d'un regard qui s'agrandit et d'une pratique qui gagne en maîtrise et en profondeur. Le S représente les débuts, les premières expériences, l'apprentissage encore fragile. Le XL incarne une vision plus large, plus affirmée, plus professionnelle du design. Entre les deux, quatre volets de tailles croissantes matérialisent physiquement cette progression : chacun possède sa propre densité graphique, sa propre hiérarchie typographique, sa propre manière d'occuper l'espace.

Chaque volet incarne un mouvement de ma démarche : observer, clarifier, assembler, amplifier. Un processus qui structure ma façon de concevoir, du geste le plus discret au geste le plus affirmé. La typographie évolue avec le format, passant du texte courant à une échelle monumentale, pendant qu'un jaune franc traverse les quatre volets comme un fil conducteur, une continuité chromatique qui accompagne le passage d'une étape à l'autre.

Du plus petit au plus grand, cette idée fait écho à l'approche du studio SMLXL Company, dont la clarté, la modularité et la rigueur alimentent mon travail. Choisir ce studio comme point de départ, c'est choisir une structure où la rigueur du design rencontre la liberté de la création, où le système devient un langage plutôt qu'une contrainte.

This project embodies my approach to design: understanding systems, working the structure, and evolving forms with intention. Rather than starting from an aesthetic, I start from a logic — that of an object built in stages, one that reveals its own construction.

This New Year's card follows a passage from S to XL, symbolizing a widening perspective and a practice gaining in mastery and depth. The S stands for the beginnings, the first experiments, the still-fragile learning process. The XL embodies a broader, more assertive, more professional vision of design. Between the two, four panels of increasing size physically embody this progression: each has its own graphic density, its own typographic hierarchy, its own way of occupying space.

Each panel embodies a movement within my process: observe, clarify, assemble, amplify. A process that structures the way I design, from the most discreet gesture to the most assertive one. The typography evolves with the format, moving from running text to a monumental scale, while a bold yellow runs through all four panels as a connecting thread — a chromatic continuity that carries the passage from one stage to the next.

From the smallest to the largest, this idea echoes the approach of the studio SMLXL Company, whose clarity, modularity and rigor inform my work. Choosing this studio as a starting point means choosing a structure where design rigor meets creative freedom, where the system becomes a language rather than a constraint.

Tapage est un média culturel bordelais qui organise des soirées entre club, before et collaborations de lieux, SOHO, l'Iboat, la Buvette des Quais. J'y interviens en freelance sur l'ensemble de leur image : affiches, motion et photo.

Deux langages coexistent selon l'énergie de chaque soirée. Pour les line-up club, un traitement photo brut, noir et blanc grainé, trame demi-teinte, traversé de washs colorés qui changent d'un event à l'autre, violet, orange, bleu électrique. Pour les formats plus hybrides, en collaboration avec d'autres lieux, la DA bascule vers l'abstraction : isométrie, aplats dégradés, typographie XXL qui mange l'espace.

Le motion prend une place particulière sur la série Buvette des Quais. L'identité fixe de ces affiches, blocs empilés en isométrie, bleu dégradé, typographie qui glisse entre les faces du volume, devient le point de départ d'animations pensées pour Instagram. Les strates se désolidarisent, pivotent, se recomposent, les infos apparaissent au fil du mouvement plutôt que d'un bloc, ce qui permet de faire vivre une même structure graphique sur plusieurs dates sans jamais la répéter à l'identique.

Le fil conducteur reste le logotype Tapage et une exigence commune, chaque affiche doit fonctionner seule, en scroll rapide sur Instagram, tout en tenant une cohérence de marque sur la durée. C'est un terrain d'expérimentation constant, où la contrainte du délai serré et du format vertical devient un moteur créatif plutôt qu'une limite.

Tapage is a Bordeaux-based cultural media outlet that organizes nights spanning club, before, and venue collaborations, SOHO, l'Iboat, la Buvette des Quais. I work with them freelance across their entire image: posters, motion and photography.

Two visual languages coexist depending on the energy of each night. For club line-ups, a raw photo treatment, grainy black and white, halftone screen, crossed by colored washes that change from one event to the next, purple, orange, electric blue. For the more hybrid formats, done in collaboration with other venues, the art direction shifts toward abstraction: isometry, gradient flats, XXL typography that eats up the space.

Motion design plays a particular role in the Buvette des Quais series. The static identity of these posters, isometric stacked blocks, gradient blue, typography sliding across the faces of the volume, becomes the starting point for animations designed for Instagram. The layers separate, rotate, recompose, the information appears through the movement rather than all at once, which lets the same graphic structure live across several dates without ever repeating identically.

The throughline remains the Tapage logotype and one shared requirement: every poster has to work on its own, in a quick scroll on Instagram, while holding brand consistency over time. It's a constant field of experimentation, where the constraint of tight deadlines and vertical format becomes a creative driver rather than a limitation.

Ce projet est une refonte de l'identité visuelle du Palais Bulles, l'œuvre architecturale emblématique conçue par Antti Lovag à Théoule-sur-Mer, rachetée en 1989 par Pierre Cardin et devenue un symbole de son esthétique futuriste et anticonformiste.

Le point de départ de ce travail est un constat : la direction artistique actuelle du lieu reste trop ancrée dans l'héritage Cardin, sans réellement se réinventer. Le décor demeure figé dans un esthétisme rétro-futuriste des années 70-80, transformant un joyau de l'architecture visionnaire en un lieu parfois perçu comme un musée figé dans le temps. L'enjeu était donc de proposer une identité qui ose bousculer ces codes tout en respectant l'ADN du lieu.

Le projet s'articule autour de mots clés forts, art, découverte, bulles d'air, persévérance, qui traduisent une expérience rare et privilégiée : celle de découvrir un lieu d'exception habituellement inaccessible. L'idée directrice tient en une phrase : une fusion futuriste entre art et nature, où chaque bulle raconte une histoire d'audace et de liberté.

Cette intention se retrouve dans l'identité visuelle construite pour l'occasion. Le logo, pensé pour être intemporel, s'appuie sur un point qui évoque les bulles caractéristiques du Palais. La palette colorée, rose pâle, blanc et noir, joue la sobriété pour mieux laisser respirer la forme architecturale. La typographie PP Mori, fluide et contemporaine, accompagne cette volonté de renouveau sans rupture brutale avec l'élégance du lieu.

L'identité a ensuite été déclinée sur un ensemble de supports pensés pour un événement, une invitation à la découverte du Palais : affiche, carte de visite, pass d'entrée, signalétique, tote bag, présence Instagram et site internet. Chaque support raconte la même histoire à une échelle différente, prolongeant sur le terrain de la communication la logique organique et modulaire du bâtiment lui-même.

This project is a redesign of the visual identity of Palais Bulles, the emblematic architectural work designed by Antti Lovag in Théoule-sur-Mer, bought in 1989 by Pierre Cardin and now a symbol of his futuristic, anticonformist aesthetic.

The starting point of this work is an observation: the venue's current art direction remains too anchored in the Cardin legacy, without truly reinventing itself. The decor stays frozen in a 70s-80s retro-futurist aesthetic, turning a jewel of visionary architecture into a place sometimes perceived as a museum stuck in time. The challenge was therefore to propose an identity that dares to shake up these codes while respecting the venue's DNA.

The project is built around strong keywords, art, discovery, air bubbles, perseverance, which convey a rare and privileged experience: that of discovering an exceptional place usually inaccessible. The guiding idea can be summed up in one sentence: a futuristic fusion between art and nature, where every bubble tells a story of daring and freedom.

This intention runs through the visual identity built for the occasion. The logo, designed to be timeless, is built around a dot evoking the Palais's characteristic bubbles. The color palette, pale pink, white and black, stays understated to let the architectural form breathe. The PP Mori typeface, fluid and contemporary, supports this drive for renewal without breaking abruptly with the elegance of the place.

The identity was then applied across a set of materials designed for an event, an invitation to discover the Palais: poster, business card, entry pass, signage, tote bag, Instagram presence and website. Each medium tells the same story at a different scale, extending into communication design the organic, modular logic of the building itself.

Projet de M2 DA DG où il fallait construire l'identité visuelle complète d'un influenceur fictif, de la recherche de marché jusqu'aux déclinaisons de contenu sur les réseaux.

Le personnage, Cal Smith, est un photographe documentaire qui tourne le dos à l'esthétique lisse des réseaux pour aller vers le grain et la matière. La direction artistique s'appuie sur ça. La typographie choisie est la PP Mori, déclinée en regular, semibold et black, une police fonctionnelle et contemporaine qui structure tous les supports sans jamais surcharger. La palette reste volontairement restreinte, blanc, noir et un rouge vif baptisé Epic Red, utilisé en accent plutôt qu'en dominante. Ce contraste net entre les trois couleurs porte toute l'identité, du feed Instagram aux formats vidéo.

La construction du personnage passe par un workflow IA en trois étapes. D'abord une matrice visuelle sur Gemini pour fixer les traits, la posture et le visage de Cal à travers une série de portraits générés. Ensuite un moodboard nourri d'images de référence trouvées sur Pinterest, workwear, argentique, culture moto, pour ancrer l'univers stylistique. Enfin, la déclinaison des tenues et des mises en situation photo via Figma Weave, qui permet de faire varier le personnage tout en gardant une cohérence de traits et de lumière d'une image à l'autre.

La partie stratégie de contenu applique cette DA à plusieurs formats, le feed Instagram organisé comme une grille de moodboard, des exemples de post et de story, un reel, une vidéo TikTok et une vidéo promotionnelle YouTube. Le projet inclut aussi une collaboration commerciale fictive avec Leica pour la sortie d'un nouveau boîtier, l'occasion de voir comment l'identité graphique tient sur un format publicitaire sans perdre sa cohérence typographique et colorée.

M2 Art Direction / Graphic Design project where the goal was to build the complete visual identity of a fictional influencer, from market research through to content declinations across social media.

The character, Cal Smith, is a documentary photographer who turns his back on the polished aesthetic of social media in favor of grain and texture. The art direction builds on that. The chosen typeface is PP Mori, used in regular, semibold and black, a functional, contemporary typeface that structures every asset without ever overloading it. The palette stays deliberately restrained, white, black and a bright red named Epic Red, used as an accent rather than a dominant color. This sharp contrast between the three colors carries the whole identity, from the Instagram feed to video formats.

Building the character relies on a three-step AI workflow. First, a visual matrix on Gemini to fix Cal's features, posture and face through a series of generated portraits. Then a moodboard fed by reference images found on Pinterest, workwear, film photography, motorcycle culture, to ground the stylistic universe. Finally, outfits and photo scenarios are declined through Figma Weave, which allows the character to vary while keeping consistent features and lighting from one image to the next.

The content strategy applies this art direction across several formats, the Instagram feed organized like a moodboard grid, sample posts and stories, a reel, a TikTok video and a YouTube promotional video. The project also includes a fictional brand collaboration with Leica for the launch of a new camera body, a chance to see how the graphic identity holds up on an advertising format without losing its typographic and chromatic consistency.

Projet de groupe mené avec Samuel Beziat et Félix Hieronimus, autour de la marque finlandaise de vélos Pelago, fondée en 2009 et reconnue pour sa durabilité et son design pensé pour les contraintes urbaines, pavés, collines, circulation.

Le concept retenu s'articule autour d'une nouvelle édition baptisée Hanko Street, pensée pour le cœur de cible, les cyclistes urbains de 25 à 45 ans qui veulent un vélo fiable et élégant pour leurs trajets quotidiens.

La direction artistique s'appuie sur trois choix forts. D'abord une typographie à empattements en italique, une police élégante et fluide qui tranche avec les codes plus techniques du milieu du vélo urbain, utilisée en très grand format sur les affiches. Ensuite une photographie au grain vintage, argentique, qui installe une ambiance de fin de journée plutôt que de sport performance. Enfin un jaune franc en aplat, utilisé aussi bien en fond plein écran qu'en accent typographique sur les visuels photo, qui devient la signature couleur de la campagne.

La campagne principale décline ce système sur plusieurs affiches organisées autour d'un mot clé et d'une heure, sturdiness à 09h15, lightness à 12h03, versatility à 13h52. Cette mécanique horaire raconte une journée type du cycliste urbain plutôt qu'une liste de caractéristiques produit, et permet de garder un langage visuel identique d'une affiche à l'autre tout en variant les situations, ville, portage du vélo, parc.

Les affiches teaser en amont installent la même tension entre typographie manuscrite jaune et photo brute en lumière naturelle, pour préparer le terrain avant la révélation de la campagne principale.

Group project carried out with Samuel Beziat and Félix Hieronimus, built around the Finnish bicycle brand Pelago, founded in 2009 and known for its durability and design built for urban constraints, cobblestones, hills, traffic.

The concept centers on a new edition named Hanko Street, designed for the core target, urban cyclists aged 25 to 45 who want a reliable and elegant bike for their daily commute.

The art direction rests on three strong choices. First, an italic serif typeface, an elegant and fluid typeface that breaks with the more technical codes of the urban cycling world, used at very large scale on the posters. Then vintage-grain, film-like photography, which sets an end-of-day mood rather than a performance-sport one. Finally a bold flat yellow, used both as a full-screen background and as a typographic accent on the photo visuals, which becomes the campaign's signature color.

The main campaign declines this system across several posters organized around a keyword and a time, sturdiness at 9:15am, lightness at 12:03pm, versatility at 1:52pm. This clock-driven mechanic tells the story of a typical day for the urban cyclist rather than a list of product features, and keeps an identical visual language from one poster to the next while varying the situations, city, carrying the bike, park.

The teaser posters beforehand set up the same tension between yellow handwritten typography and raw photography in natural light, to prepare the ground before the main campaign is revealed.